One Clock Blog

C'était un jour gris, comme la plupart des jours à San Francisco, lorsque j'ai visité l'installation de Janet Cardiff à Fort Mason, un ancien avant-poste militaire aujourd'hui transformé en centre culturel à la périphérie de la ville. J'étais là pour découvrir The Forty Part Motet de Cardiff , la célèbre installation audio de l'artiste contemporaine canadienne comprenant quarante haut-parleurs et un morceau de musique chorale du XVIe siècle.

Dans l'espace de la galerie, qui surplombe les bateaux et les bouées qui s'agitent et les mouettes qui se dirigent vers le côté, quarante haut-parleurs noirs ont été placés en rond. Ils ont été disposés en huit ensembles pour correspondre à la structure de la partition, avec cinq haut-parleurs dans chaque ensemble représentant les cinq gammes vocales : basse, baryton, ténor, alto et soprano. Ils se tenaient grands et stoïques, dirigeant l'espace mais autrement ne demandant pas grand-chose. Et puis, ils ont commencé à chanter.

La logique du Motet à quarante voix est simple. Chaque haut-parleur émet une voix du chœur, offrant ainsi différentes expériences d'écoute. En se tenant près d'un haut-parleur, on entend la singularité de ce morceau particulier de la composition ; en se tenant au milieu de tous ces éléments, on entend l'ensemble dynamique.

Cardiff a déclaré à propos de cette pièce qu’elle explorait son intérêt pour « la manière dont le son peut physiquement construire un espace de manière sculpturale ». Pour elle, le Motet de onze minutes illustre « l’œuvre musicale en tant que construction changeante ». Même si je ne connaissais pas les paroles de « Spem in Alium » de Thomas Tallis, ni même la langue chantée (le latin), je m’identifiais aux voix, aux immenses sculptures sonores qui montaient et descendaient. Autour de moi, les gens pleuraient ou souriaient ou fermaient les yeux ou faisaient n’importe quelle combinaison des trois. Nos expressions devenaient une performance secondaire.

La clarté d'une seule voix est un son remarquable, mais c'est la confluence de toutes les quarante qui m'a envahi, comme une lévitation. Je me suis senti soulevé comme les bouées que j'ai vues par la fenêtre, emportées à la dérive avec les mouettes. Je ne suis pas un aficionado ni même un grand fan de la musique chorale, mais en sept ans, le Motet n'a pas quitté ma mémoire. Peut-être était-ce son invitation à habiter une partition de manière cinétique en déplaçant le corps d'une note à l'autre, ou la possibilité qu'il offrait d'alterner entre contraction et gonflement : être avec un puis avec plusieurs, singulier puis nombreux.

Ou peut-être qu’entendre la voix de votre espèce dans une chanson fait quelque chose de vraiment étrange et mystérieux à votre corps et à votre esprit.

Plus tôt cette année, un groupe de neuroscientifiques dirigé par le professeur du centre médical de l'université de Rochester, Sam Norman-Haignere, ancien postdoctorant du MIT, a publié des résultats montrant un ensemble de neurones dans le cortex auditif du cerveau qui répondent spécifiquement au chant .

S'appuyant sur des recherches IRMf de 2015 qui ont montré la forte réactivité du cerveau à la musique, cette équipe a utilisé l'électrocorticographie, une méthode de surveillance cérébrale généralement utilisée sur les patients épileptiques sur le point d'être opérés, pour tester les réponses des participants à plus de 150 bruits. Dans la cacophonie des sons testés, notamment le bruit de la circulation, les aboiements des chiens, la chasse d'eau des toilettes et même la musique instrumentale et la parole non musicale, ces neurones ne s'allumaient qu'à la voix de la chanson.

La raison de cette découverte reste inconnue, mais les chercheurs s’accordent à dire que la capacité neuronale à distinguer les nuances auditives est essentielle à l’évolution et à la survie de l’homme. Il est logique que le cerveau utilise ses capacités neuro-auditives pour identifier les menaces, mais le contraire est encore plus fascinant : le cerveau écoute tout aussi souvent pour s’assurer de sa sécurité – et le son qu’il émet pourrait être un chant.

Chanter ensemble est depuis toujours une forme de construction communautaire. Comme les oiseaux qui chantent à l'aube pour dire à leur troupeau qu'ils ont survécu à la nuit, les gens chantent pour démontrer leur vitalité et renforcer leur résilience. Il suffit de regarder les pratiques de protestation ou les rituels de l'une des nombreuses religions du monde pour en avoir un exemple. Chanter un message collectif est puissant et rassembleur pour ceux qui le chantent, et communicatif pour ceux qui l'écoutent. 

Mais ce n'est pas seulement une question de mots. Dans son livre Dans My Grandmother's Hands: Racialized Trauma and the Pathway to Mending Our Hearts and Bodies , Resmaa Menakem explique comment le chant, le fredonnement, la respiration abdominale, le bourdonnement et le balancement peuvent tous être utilisés pour réguler le nerf de l'âme (son terme pour ce que les professionnels de la santé mentale appellent le nerf vague ou nerf errant) au niveau cellulaire. Imprégner le corps de musicalité régule la respiration et le rythme cardiaque, abaisse la tension artérielle et peut élever l'âme en formulant un sentiment de connexion à soi-même et aux autres. Ce sont, comme l'explique Menakem, des pratiques que les communautés noires utilisent depuis des siècles pour persévérer malgré l'esclavage et ses conséquences actuelles.

La voix humaine est extrêmement individuelle et habile, capable d'exprimer au moins vingt-quatre émotions différentes dans des « explosions vocales » non verbales, selon le magazine Greater Good de l'Université de Californie à Berkeley , ce qui rend sa capacité à trouver un terrain d'entente dans une chanson, qu'elle soit chantée à l'unisson ou à quatre voix, assez impressionnante. Et, quelle que soit la fréquence unique de sa voix, elle sera toujours enregistrée comme une voix humaine, suscitant une variété de souvenirs et d'émotions chez ceux qui reçoivent ses timbres. 

La voix n’est pas communément considérée comme un instrument, bien que ce soit exactement ce qu’elle est, dans les deux sens du terme. C’est un appareil pour faire de la musique et aussi un outil. Son intimité et son efficacité ont été reconnues par Jon Natchez, qui a composé les sons d’éveil originaux de OneClock et a incorporé deux pistes vocales. De retour dans la pièce avec quarante haut-parleurs et quarante voix chantant des phrases écrites il y a 500 ans, j’ai ressenti l’influence de cet instrument. Je ne savais pas qu’une petite tranche de mon cortex crânien était illuminée, qu’une réponse évolutive était activée ou même que mon nerf de l’âme était régulé. Je savais juste que cela sonnait bien, que c’était agréable à entendre et que même dans mon silence, je faisais partie du chœur. Je ne voulais pas arrêter d’écouter.